Hendrik Hackl gives fossils a second chance at life

Hendrik Hackl in his studio.

In his workshop resembling a natural history museum in Mannheim, Hendrik Hackl transforms millions of year-old fossils into jewelry pieces, wall objects and sculptures, giving them a second chance at life.

Interview by Ummuhan Kazanc

Dear Hendrik Hackl, thank you very much for accepting our interview request. I have got my bachelor degree on Archeology and Art History. We had a class called Geological Archeology and we were going to trips for surveys all around Türkiye, especially Anatolian plateau. We have found very interesting stones, fossils, obsidian pieces from ancient volcano deposits. I still keep some of them, they are as valuable as gold for me. You have similarly same history. Your art Works catches me immediately. You found your first ammonite in the hot desert sands near the town of Erfoud in the Moroccan Sahara. Can we learn your initial feelings and how did you decide to work on ammonites and fossils?

I was in the Moroccan Sahara with a very good friend of mine who is a Moroccan fossil hunter and dealer. He told me to look for “things” which are lying in the hot Sahara sand… "These things will change your life”, he told me… But I just found dark brown and black „snails“… obviously petrified… "So what", I said to myself these snails are not eatable… Rachid explained to me what I found… “These are ammonites, fossilized shells of squids! 180 Million years old” - I was completely fascinated about the number! Later, when we cut the stones, their spirally coiled inside was very colorful, each piece different to the other! The fascination was big and became bigger after polishing the surface of the petrified life forms. At home, I started immediately to transform the fossils into jewelry pieces - my artistic life with fossils began…

Eleganz.

Where do you get your materials? Is it difficult to find these ammonites and fossils?

My materials - the fossils are found all over the world. At the moment I have a very good contact to some quarries in Madagascar. But also in Germany, especially in the Schwäbische Alb - closed to Stuttgart - we find very rare and well preserved fossils like ammonites, grenoides, crocodiles and ichtyosaurs. It is sometimes very difficult to find the fossils. They are mainly covered by sand, sediments and solid rock.

You actually trained as a dental technician. But you have joined many other courses to develop your art work. How did you develop yourself?

I am not only trained as a dental technician. Alongside my artistic work I worked as a stonemason for seven years and did some carpentry jobs in a joinery. I also do part-time work in a foundry mainly bronze casting. My education as a mason and dental technician made it possible to start my training as a fossil preparator - mainly with finds from Holzmaden/Germany. Some things happen just by trying and experimenting...

Mammutstosszahne.

Can you explain your feelings we you have new ammonite and fossil. It must be very emotional moment, you hold for example 3,5 million years old ammonite or fossil in your hands. And then could you tell us the process? How these stones become work of arts?

After 35 years of permanently working with the Millions of years it is still stunning to hold a prehistoric relict in my hands. Each find is an ancient life form, special, and original, extremely esthetic and absolutely unique. If I have an idea for an art object I have to look for the "right" fossil or the "right" meteorite specimen for months and sometimes for years... But sometimes it happens that I see a piece and I know immediately what to do with it... The finds are always in the center of my artistic works - they have the most information inside...

I think your studio is like a small natural history museum. Could you tell us atmosphere of your studio.

Even if I am used to this, being surrounded by the millions and billions of years it still amazes me that 

there are life forms from the jurassic age for example, which lived about 180 Millon years ago... 

And now I can hold it revently in my hands and create an art piece with and around it. 

The smell of evolution and development of life is hanging permanently in my studio. 

I notice it especially when people visit me and can hardly shut their mouths in astonishment...

You combine your fossils with various natural materials like olive wood, slate, petrified wood or iron. How these elements work together?

These materials have their own color and properties. They can all be found in the nature. They all are part of planet earth and history. So it is easy to bring these materials together - they have been together long time ago... Some materials since the beginning of time...

Most of my working materials have a symbolic background in history, religion and culture - like olive wood for example...

How art lovers react your art Works?

Most of the art lovers come to the artwork by the esthetic. Something seems to attract their attention, they don't realize in the first moment that it is a snapshot of the development of life that they are confronted with. Later they start asking questions about the central point of the artwork... "What is this? Is this real? How old is the find?" So answer by answer they come more and more into the primeval times, the viewer has a directly contact with the millions of years - with his own history and ancestors...

Lastly could we learn your future plans?

At the moment it is not easy to make big plans for the future. We still have the corona crises with less exhibitions, fairs and shows. Now we have a war in Europe where people shoot each other and a nuclear war is possible... I may close with a paleontolic word saying that at the end there will still be crocodiles and ferns remaining. Humanity will account for only a short period in Earth's history...

I currently see my main task as fighting my realism and pessimism. But there is a final hope: Doesn't man have a bigger and smarter brain than an ammonite...?

Bor Sanat’tan “Parçalar ve Haller” Sergisi

Fikret Mualla, “İsimsiz”, 1958, Kağıt Üzerine Guaj, 26x20 cm.

Bor Holding kurucularından, Yönetim Kurulu Başkanı ve sanat koleksiyoneri Özgür Cem Hancan’ın sanata olan tutkusu ve kültür sanat faaliyetlerine verdiği önemle kurulan Bor Sanat, küratörlüğünü Ebru Nalan Sülün’ün üstlendiği “Parçalar & Haller” sergisi ile Hancan Sanat Koleksiyonu’nu sanatseverler ile buluşturuyor.

Hancan Sanat Koleksiyonu’ndan seçki sunan ve 63 eseri bir araya getiren sergi; Fikret Mualla’dan Fahrelnissa Zeid’e, Nuri İyem’den Mehmet Güleryüz’e önemli bir sanat tarihi seçkisini barındırmakta. Orjin Meşrutiyet’te gerçekleşen “Parçalar & Haller” sergisi 15 Kasım – 15 Aralık tarihleri arasında ziyaret edilebilir.

Fikret Mualla, “İsimsiz”, 1958, Kağıt Üzerine Guaj - yağlıboya, 25,5x37 cm.

“Özgür Cem Hancan Sanat Koleksiyonu”ndan seçki sunan “Parçalar & Haller”; bir koleksiyon aracılığıyla “koleksiyon yapma” eylemini tartışmaya açıyor. Bir montajcı edasıyla varlığını ve tutkularını inşa eden “koleksiyoner”; Walter Benjamin’in “Hikâye Anlatıcısı” makalesinde tanımlanan ile de uyumlanmaktadır. Benjamin’e göre “hikâye anlatıcısı”;  deneyim paylaşma yeteneğine sahip, bir olay ya da durumu nesilden nesile aktaran bir gelenek zincirinin mimarı olan bir bilgedir. Benjamin; bu eylemin dilden dile yayılan gücünden söz ederken üst üste eklenen bir deneyim çemberi olduğunu da vurgular. Tıpkı “koleksiyon yapma” eyleminde olduğu gibi…

Geçmişten bugüne “koleksiyon” yapma eylemi neyi ifade eder? Adeta geçmiş ile güncel / güncel ile gelecek arasında edinilen seçimler bir bellek envanteri / tanıklığı değilse nedir? Bor Sanat; “Parçalar ve Haller” seçkisinde “Hancan Sanat Koleksiyonu”nu izleyenlere tanıtırken bu sorulara da cevap arıyor. Koleksiyonların koleksiyoneri tanımlama halleri, koleksiyoner halleri, koleksiyonları inşa eden eserlerin parçalı halleri ve tümevarımla görünür olan tarihi/güncel aralıklar, koridorlar…

Fahrelnissa Zeid, “İsimsiz”, tuval üzerine yağlıboya, 100x80 cm.

Hancan Sanat Koleksiyonu’nun önemli bir birikimini oluşturan Fikret Mualla’nın 32 eseri “Haller” bölümünde yer alıyor. Bu bölümde; koleksiyonerin sanatçıya olan tutkusu ön plana çıkarılırken, bu tutku büyük bir parçaya dönüşerek sanatçıya dair farklı öyküleri de anlatmaya başlıyor ve Fikret Mualla eserleri kendi içerisinde bir diyaloğun sonucu olarak küratöryel kurguda temalara ayrılıyor. Bu bölüm: Ruh Durumları & Çizgi, Paris Işıltısı, İnsan Halleri, Nü Denemeler, Natürmort Tutkusu, Vazgeçilmezi: Mektuplar, Ruh Durumları & Portre, Ruh Durumları & Kent başlıkları altında incelenebiliyor ve sanatçının sanat üslubuna, yolculuğuna bu yolla referanslar veren bir derinliği görünür kılıyor. “Haller” bölümünde Fikret Mualla’nın eser üretim halindeki parçalı hallerine Abidin Dino ve Taha Toros’un Fikret Mualla’ya dair yorumları da eşlik ediyor ve eserler bu yolla okunur da kılınıyor.

Nuri İyem, “İsimsiz”, 1957, masonit üzerine yağlıboya, 24x20 cm.

“Parçalar” bölümünde ise, bir koleksiyonda sanat eserinin/sanatçının nicel/sayısal varlığı ne demektir? Oluşan bu “parça”ların büyük ya da küçük, belki biricik olma hali koleksiyonlarda neyi ifade eder? sorularına cevap aranıyor. Bu bölüm; Ali Atmaca, Kemal Önsoy, Selma Gürbüz, Fahrelnissa Zeid, Fikret Otyam, Burhan Doğançay, Mehmet Güleryüz, Nimet Berdan, Chant Avedissian, İzzet Arda Onursan, Mustafa Ayaz, Ergin İnan, Nuri İyem ve Özdemir Altan eserlerinden oluşuyor. Tıpkı bir şiirin mısralarını tartışmaya açmak ve tüm şiiri çözümlemek gibi, “Parçalar” bölümünde yer alan her bir eser bütünü mümkün kılarken aynı zamanda ana öge görevini de üstleniyor.

Mehmet Güleryüz, “İsimsiz”, 2020, tuval üzerine yağlıboya, 61x50 cm.

Özgür Cem Hancan’ın Bor Sanat’ın kuruluş süreci ve koleksiyonerliğine dair yorumu: “Bor Sanat’ı kurma fikri, sanat koleksiyonumun gelişimi ve toplumsal-sanatsal farkındalığımın artması ile zaman içerisinde önemli hedeflerim arasında yerini aldı. Bir koleksiyon oluşturmak büyük bir emek ve çaba gerektiriyor. Bu çabayı kişisel bir tutkunun ötesine taşıyıp aynı zamanda sanatın toplum içindeki etkisini artırmaya ve kültürel bir mirası korumaya destek vermek istedim. Koleksiyonerlik söz konusu olduğunda kişilerin geçici ama kurumların kalıcı olduğunu düşünüyorum. Sonraki nesillere aktarım da ancak bu yolla sağlanabilir. Bor Sanat ile kendi markası ve kimliğiyle yola çıkan, vizyonu baştan çizilmiş, doğru kişilerle işe başlamış, uzun yıllar yaşayan ve en önemlisi şahsi bir koleksiyon olmaktan öteye geçip zamanla kurumsallaşacak bir marka yaratmayı hedefliyorum. Bor Sanat’a merhaba dediğimiz “Parçalar & Haller” sergisiyle birlikte, koleksiyonum ile anlatmaya çalıştıklarımı, fikirlerimi, nasıl hissettiğimi biraz daha yüksek sesle anlatabiliyor ve koleksiyonu izleyenlere görünür kılabiliyor olduğumuz için çok heyecanlıyım.”

15 Kasım – 15 Aralık tarihleri arasında Orjin Meşrutiyet’te gerçekleşecek sergi, haftanın her günü 09:00 – 20:00 saatleri arasında ziyaret edilebilir.

 

Bor Sanat Hakkında:

Bor Sanat; Bor Holding’in sürdürülebilir iş ve yaşam dengesi felsefesini sanatla birleştirerek, toplumun sanatsal, kültürel zenginliğini artırmayı ve sanatı toplumsal bir değer haline getirmeyi amaçlayan oluşumudur. Bor Holding Yönetim Kurulu Başkanı Özgür Cem Hancan’ın sanata olan tutkusundan ilham alınarak kurulan Bor Sanat, kültür-sanat faaliyetlerini bilgi ile bütünlemeyi ve topluma fayda sağlamayı hedefleyen vizyonu ile yola çıkmıştır.

BİLGİ İÇİN

@borsanat

www.borsanat.com.tr

Özdemir Altan, “İsimsiz”, 2012-2013, tuval üzerine akrilik, 180x180 cm.

Ebru Nalan Sülün, Özgür Cem Hancan.

Frida Kahlo: “gündüzlerinin ve gecelerinin cellâdı”

Frida Kahlo’nun maymun ile oto-portresi, 1945, (© Collection Museo Dolores Olmedo, Xochimilco, México). Frida Kahlo Autorretrato con changuito (Self-Portrait with Small Monkey), 1945, © Collection Museo Dolores Olmedo, Xochimilco, México.

Frida Kahlo olarak anılan Meksikalı ünlü ressam Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderon, (6 Temmuz 1907-13 Temmuz 1954)’un çalışmaları 18 Nisan 2010’a kadar Belçika-Brüksel Bozar Güzel Sanatlar Merkezinde yer alıyor. Frida Kahlo, hassas sağlığı, Meksika Komünist Partisi ile ilişkileri ve Ressam Diego Rivera ile çalkantılı evliliğinin yanı sıra sembolizm ve hür irade ile yoğrulmuş iç gözlemsel oto portreleri ile tanınıyor.

Metin: Ümmühan Kazanç

Frida Kahlo Coyoacán’daki evinin bahçesinde, 1952, (Fotoğraf: Berenice Kolko,© Banco de México, Diego Rivera and Frida Kahlo Müzesi). Frida Kahlo in her garden at Coyoacán, 1952, Photograph: Berenice Kolko, © Banco de México. Fideicomiso Museos Diego Rivera y Frida Kahlo.

Sergide Kahlo’nun tüm dönemlerine ait eserlerin yanı sıra yaşamı ve 20. yüzyılın başlarında Meksiko’daki canlı ve güçlü kültürel atmosfere de bir bakış sunuluyor. Bu sergi ile Meksiko Şehri Dolores Olmeda Müzesi ve özel koleksiyonlardan bir araya getirilen resimler, suluboyalar, çizimler, fotoğraflar ve kişisel mektuplar da görülebilir. 2007 yılında Kahlo ve Rivera çiftinin müze-evi Casa Azul’un yeniden açılmasıyla ortaya çıkan 28 bin yeni belge, 300 kıyafet, 5.800 fotoğraf, çizim ve oyma baskılardan bir kısmı da ilk kez burada sergileniyor.

Frida Kahlo, “Kırık Kolon”, 1944, masonit üzerine yağlıboya, 39.8x30.5 cm., (© Collection Museo Dolores Olmedo, Xochimilco, México). Frida Kahlo, La columna rota (The Broken Column), 1944, Oil on masonite, 39.8 x 30.5 cm., © Collection Museo Dolores Olmedo, Xochimilco, México.

Frida Kahlo, 1907’de Meksiko şehrinin güneyindeki Coyoacan’da, Macar Yahudisi fotoğrafçı Wilhelm Kahlo ve Kızılderili asıllı Matilde Calderon Gonzales’in dört kızından üçüncüsü olarak dünyaya geldi. 6 Temmuz 1907 günü doğmuş olmasına rağmen, kendisi doğum tarihini, Meksika devriminin gerçekleştiği 7 Temmuz 1910 günü olarak ilan eder, yaşamının modern Meksika’nın doğuşuyla başlamış olmasını ister. Altı yaşındayken geçirdiği çocuk felcinin sonucu olarak bir bacağı özürlü kalmış, kendisine “Tahta Bacak Frida” denmişti.

Frida Kahlo, “Otobüs”, 1929, (© Colección Museo Dolores Olmedo, Xochimilco, México). Frida Kahlo, El camión (The Bus), 1929, © Colección Museo Dolores Olmedo, Xochimilco, México.

 

Frida Kahlo, evde kız kardeşlerinin yanında bir erkek çocuğu gibi büyümüştü. Belki de geçirdiği çocuk felci hastalığının bıraktığı etkiler nedeniyle Frida, tıp eğitimi almaya karar verdi. Meksiko şehrinde Ulusal Hazırlık Okulunun Tıp Eğitimi bölümüne yazıldı. Daha önce sadece erkek öğrencilerin kabul edildiği Meksika’da prestijli bir adı olan okulun hazırlık sınıfına ilk kabul edilen kız öğrencilerden biri olmuştu. Fakat kaza nedeniyle Frida’yı gelecekte iyi bir doktor yapacak gibi görünen okul eğitimi üçüncü yılında bitecekti. Bu süre içinde Frida Kahlo’nun insan anatomisini öğrenme şansı oldu. Bu yıllarda Frida, sadece tıp eğitimi değil az da olsa resim eğitimi de alır ve bu iki konudaki bilgisi Frida’yı meslek sahibi yapmasa da hayatı boyunca işine yarar. Okulda, sanat, edebiyat, felsefe gibi alanlara da yöneldi. 19 yaşında geçirdiği bir trafik kazası ise bütün hayatını değiştirdi.

Frida Kahlo, “Ebem ve Ben”, 1937, (© Colección Museo Dolores Olmedo, Xochimilco, México). Frida Kahlo, Mi nana y yo (My nurse and I), 1937, © Colección Museo Dolores Olmedo, Xochimilco, México.

17 Eylül 1925’te okuldan eve dönerken bindiği otobüsün tramvayla çarpışması sonucu çok kişinin öldüğü kazada, trenin demir çubuklarından birisi Frida’nın sol kalçasından girip leğen kemiğinden çıkar. Kazadan sonra tüm hayatını korseler, hastaneler ve doktorlar arasında geçiren sanatçı; omurgası ve sağ bacağında dinmeyen bir acıyla yaşadı, 32 kez ameliyat edildi. Frida Kahlo, kaza sonrasında yıllarca süren yatak istirahatı sırasında ailesinin armağan ettiği boya takımıyla resim yapmaya başladı. Yatakta sıkılmasın diye tam üstüne bir ayna yerleştirilmişti. Kendini sürekli bu aynadan görüyordu ve ünlü portrelerini yapmaya bu sıralarda başladı.

Frida Kahlo, “Birkaç Küçük Kesik”, 1935, (© Colección Museo Dolores Olmedo, Xochimilco, México). Frida Kahlo, Unos cuantos piquetitos (A Few Small Nips), 1935, © Colección Museo Dolores Olmedo, Xochimilco, México.

1927 yılı sonunda yürümeye başlayan Kahlo, bu dönemde sanat ve politika çevreleri ile yakınlaşmaya başladı. Kübalı önder Julio Antonio Mella ve fotoğraf sanatçısı Tina Modotti ile tanışıp yakın arkadaş oldu. Birlikte, dönemin sanatçılarının davetlerine, sosyalistlerin tartışmalarına katılmaya başladılar. Kahlo, 1929’da Meksika Komünist Partisi’ne üye oldu.

Resim çizmeye devam eden Kahlo aynı dönemde bir gün, Meksikalı Michelangelo olarak anılan ünlü ressam Diego Rivera’yı görmeye gitti. İki sanatçı, 21 Ağustos 1929’da evlendiler. Kahlo, 1930’da eşiyle beraber Amerika’ya gitti ve 1933’te Rivera aldığı duvar resmi siparişlerini bitirinceye kadar orada yaşadılar.

    

                            Frida Kahlo , “Retrato de Luther Burbank (Portrait of Luther Burbank)”, 1932 © Colección Museo Dolores Olmedo, Xochimilco, México. Frida Kahlo, Retrato de Luther Burbank (Portrait of Luther Burbank), 1932, © Colección Museo Dolores Olmedo, Xochimilco, México.

Frida ile Rivera’nın fırtınalı bir evlilik hayatı oldu. Sağlık sorunları nedeniyle bir çocuğunu aldıran ve artarda iki düşük yapan Frida, eşinin sadakatsizlikleri nedeniyle 1939 yılında ayrıldı ama bir yıl sonra yeniden evlendiler ve Frida’nın çocukluğunu geçirdiği dışı kobalt mavisi ile boyalı olduğu için “Mavi Ev” olarak bilinen eve yerleştiler.

Sık sık sağlığı bozulan Frida, dayanılmaz acılarla başa çıkmak için bütün gücüyle resim yapmış, yalnız ülkesinde değil, Amerika ve Fransa’da sergiler açtı. 1938’de New York’ta açtığı sergi ona büyük ün getirdi, 1939’daki Paris sergisi ile övgüler topladı. 1943’de “La Esmeralda” adlı yeni bir sanat okulunda öğretim üyeliğine başlayan Frida, sağlık durumunun kötüleşmesine rağmen ders vermeyi sürdürdü; 1950’de omurgasındaki sorunlar nedeniyle hastaneye kaldırıldı ve dokuz ay hastanede kaldı. 1953 yılı Nisan ayında Meksiko’da bir kişisel sergi açtı; Temmuz ayında sağ bacağı kesildi. Frida Kahlo, 13 Temmuz 1954’te, akciğer embolisi teşhisiyle son nefesini verdiğinde; arkasında bıraktığı son tablosu; Yaşasın Yaşam isimli bir natürmorttu.

            Frida Kahlo babasının portresini yapıyor, 1951, Fotoğraf: Gisèle Freund, © Banco de México, Diego Rivera and Frida Kahlo Müzesi). Frida Kahlo painting the portrait of her father, 1951, Photograph: Gisèle Freund © Banco de México. Fideicomiso Museos Diego Rivera y Frida Kahlo.

Frida Kahlo’nun 143 resim yapmıştır. Resimlerinin 55 tanesi oto-portrelerden oluşur. Yaşamının büyük bir bölümünü yatakta başının üstünde duran, “gündüzlerinin ve gecelerinin cellâdı” olarak tanımladığı bir aynaya bakarak geçirdiği için sürekli oto-portre çizmiştir. “Oto-portrelerimi çiziyorum çünkü en iyi tanıdığım kişi benim” diyerek bu çalışmaları ile ilgili görüşlerini dile getirir. Resimlerindeki ustalık, Pablo Picasso’ya bile “Biz onun gibi insan yüzleri çizmeyi bilmiyoruz” dedirtmiştir. Frida’nın resimleri sürrealist olarak değerlendirilse de o surrealizmi reddetti. Resimleri aslında acı ve kesin gerçekliği yansıtıyordu. Frida’nın resimlerinde Meksika kültürü ve devrimci ulusal kimlik tuvale aktarılmıştı. Frida Kahlo yaşarken ünlü olmuş, resimlerinin çoğunu satmış nadir ressamlardan biriydi.

Not: Yazı ilk olarak Artam Global Art & Design Dergisinin 118. sayısında yayınlanmıştır.

Kaynakça:

www.fridakahlo.com

http://www.fridakahlofans.com

www.sagusad.org/sayfa/fridakahlo (Derleyen Serkan Sarı).

www.fbuch.com/fridaby.htm

Nil Yalter, Venedik Bienali Altın Aslan Ödülü’ne Layık Görüldü

    Nil Yalter, 'Topak Ev', 1973, Enstalasyon. VKV Koleksiyonu. Görsel kredisi: La Verriere, Fondation d'Hermes, 2015. Fotoğraf: Isabelle Arthuis.

Nil Yalter, ‘Topak Ev’, 1973, Installation. VKV Collection. Image credit: La Verriere, Fondation d'Hermes, 2015. Photo: Isabelle Arthuis.

Nil Yalter, Adriano Pedrosa'nın küratörlüğünde gerçekleşecek 60. Venedik Bienali'nde Altın Aslan Yaşam Boyu Başarı ödülüne layık görüldü. Karar, 60. Uluslararası Sanat Sergisi Küratörü Adriano Pedrosa’nın tavsiyesi üzerine Roberto Cicutto başkanlığındaki La Biennale Yönetim Kurulu tarafından onaylandı. Altın Aslan yaşam boyu başarı ödülü, bienalin açılış töreni 20 Nisan 2024 günü La Biennale di Venezia’nın merkezi olan Ca’ Giustinian’da sanatçılara takdim edilecek. Venedik Bienali'nin 60. edisyonu, Adriano Pedrosa’nın küratörlüğünde ‘Stranieri Ovunque | Foreigners Everywhere’ başlığı altında 24 Kasım 2024 tarihine kadar izlenebilecek. Nil Yalter’in, ikonik ‘Topak Ev’ ile ‘Şu Gurbetlik Zor Zanaat Zor’ isimli enstalasyonları, Giardini Merkez Pavyonu’nun ilk odasında sergilenecek.

Nil Yalter Kimdir?

Fransız feminist sanat akımının ve video sanatının 1970’lerdeki öncü temsilcilerinden olan Nil Yalter (d.1938, Kahire) lise öğrenimini İstanbul Amerikan Robert Kolej’de tamamladı. Bu dönemde dans, tiyatro ve resimle kendini ifade eden Nil Yalter pantomim yapmaya başladı ve yürüyerek gittiği Hindistan yolculuğunda da bunu sürdürdü. Sanatçı 1965’te Paris’e taşındı 1960’ların sonundaki Fransız karşıt kültür ve devrimci siyasal akımlarında etkin bir şekilde yer aldı. 70’lerden itibaren ürettiği video, performans ve yerleştirme çalışmalarında hem bu toplumsal hareketlerin hem de etnoloji biliminin etkisi, sanatçıya özgü çoğul bir estetik içerisinde gözlemlenir. Ayrıca ilk resimlerinden günümüze, ürettiği tualler ve dijital çalışmalarında genel olarak soyut sanatın, özellikle de Rus Konstrüktivizm akımının etkilerini görmek mümkündür. Nil Yalter’in eserlerinde tüm bu etkilerin ve kişisel olan ile politiğin iç içe geçtiği, hatta yer yer otobiyografik sayılabilecek bir üslup söz konusudur. Sanatçı, Galerist'te 2011'de '20.yy / 21.yy' isimli, ve 2018'de 'Karakum' isimli iki sergi gerçekleştirdi. Aynı zamanda MoMA (New York), Los Angeles Museum of Contemporary Art, National Museum of Women in the Arts (Washington, DC), Museum of Modern Art PS1 galerisi, Contemporary Art Center (Vancouver, Kanada), Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, Hessel Museum of Art (New York), Nil Yalter’in eserlerinin sergilendiği müzeler arasındadır. Sanatçının eserleri Tate Modern, İstanbul Modern, Centre Pompidou, Fonds National d’Art, Museum Ludwig, IMMA gibi müzelerin daimi koleksiyonlarında yer almaktadır. Galerist, Yalter'in 2013 yılında Galerist tarafından monografi yayını gerçekleşmiştir.

Nil Yalter, ‘Topak Ev’, 1973, Enstalasyon. VKV Koleksiyonu. Fotoğraf: Mayotte Magnus Levinska.

Nil Yalter, ‘Topak Ev’, 1973, Installation. VKV Collection. Photo: Mayotte Magnus Levinska.

NİL YALTER: VENICE BIENNIAL GOLDEN LION AWARD

Nil Yalter recieved Golden Lions for Lifetime Achievement award ot the 60th Venice Biennial curated by Adriano Pedrosa. Paris-based Turkish artist Nil Yalter is awarded the Golden Lions for Lifetime Achievement of the 60th International Art Exhibition of La Biennale di Venezia titled 'Stranieri Ovunque | Foreigners Everywhere'. The decision was approved by La Biennale’s Board of Directors chaired by Roberto Cicutto, upon recommendation of Adriano Pedrosa, Curator of the 60th International Art Exhibition. The awards ceremony and inauguration of the 60th Exhibition will be held on Saturday April 20th, 2024 at Ca’ Giustinian, the headquarters of La Biennale di Venezia. Yalter will showcase a new reconfiguration of her innovative installation 'Exile is a Hard Job' in conjunction with her iconic 'Topak Ev' work, placed in the first room of the Central Pavilion at the Giardini.

ABOUT NİL YALTER

A pioneer in the French feminist art movement of the 1970s, Nil Yalter (b. 1938, Cairo) was educated at Robert College, the prestigious American secondary educational institution in Istanbul. While she was engaged in dance, theatre and painting during this time, she also practiced pantomime and travelled by foot to India as a pantomime artist. Yalter has lived in Paris since 1965. She participated in the French counterculture and revolutionary political movement of the late 1960s, immersing herself in the debates around gender, migrant workers from Turkey, and other issues of the time. These social movements and ethnographic science have influenced the artist’s videos, performances and installations from the 1970s in the form of an idiosyncratic, pluralistic aesthetics. The influence of abstract traditions, especially that of Russian constructivism can be observed in her paintings and digital works since her early years. Nil Yalter’s works reflect a style that blends together all these influences along with autobiographical elements where the personal and the political intertwine. Nil Yalter previously exhibited at Galerist in 2011 titled ' 20th Century / 21st Century', and in 2018 titled 'Karakum'. Additionally, Nil Yalter’s works have been exhibited at institutions such as MoMA (New York), Los Angeles Museum of Contemporary Art, National Museum of Women in the Arts (Washington, DC), Museum of Modern Art PS1 Gallery, Contemporary Art Center (Vancouver, Canada), Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris and Hessel Museum of Art (New York). Her works are in the permanent collections of Tate Modern, Istanbul Modern, Centre Pompidou, Fonds National d’Art Contemporain, Museum Ludwig, and IMMA among others. Galerist has also published a monograph of Yalter in 2013.

Horasan, “Up and Down” İsimli Sergisiyle Belçika’da

                                                                        Horasan, Mees-Van de Wiele Galeri’de.

Çağdaş Türk Sanatı deyince akla ilk gelen sanatçılarımızdan biri olan Horasan, bu defa Belçika’nın Gent şehrinde kişisel bir sergi açtı. Gent’in kalbinde yer alan Mees-Van de Wiele Galeri’deki “Up and Down” isimli sergi 28 Ekim – 3 Aralık 2023 tarihleri arasında izlenebilir.

Horasan, ağırlıklı olarak figüratif resimler yapsa da hepimizin bildiği gibi çok yönlü bir sanatçı. Heykel, baskı resim, video, fotoğraf ve kitap illüstrasyonları sanatçının kariyerinde çok önemli bir yere sahip.

Horasan, Mees-Van de Wiele Galeri’deki sergisinde.

Horasan, Mees-Van de Wiele Galeri’deki “Up and Down” sergisindeki çalışmalarıyla ilgili şu açıklamayı yapıyor: “İnsan her şeyin geçici olduğu bir hayat yaşar. İçinde bulundukları zamanın geçmeyeceğini, bitmeyeceğini düşünürler. Bir önceki sergimde sanatçının bu belirsizlik içerisinde kendince zamanı durdurmaya çalıştığını, bir bakıma kendi gözleriyle gördüklerini kaydetmeye çalıştığını anlatmıştım. Her sanatçı kendi gerçekliğini bir başka bir gerçekliğe yani ürüne dönüştürmeye çalışır. Yaşadığım coğrafya birden fazla değişkene gebe ve zaman aralıkları çok da uzun değil. Olaylar ve karakterler de benim için ilham kaynağı. Bu verileri desenler halinde biriktiriyorum. Bir nevi hafıza deposu gibi. Anlar, iletişim biçimleri, karşılaşmalar, ruh halleri ve mekânlar farklı biçim ve duygularda birleşiyor. Burada anların değişken halleri resmimin oluşumunu belirliyor. Ne iyi ne de kötü var. Bu anların kesişme noktalarında karanlıkla aydınlığı görmeye çalışan bir göz sadece.”

Horasan’ın sergisinde başarılar diliyoruz.

 

                                Horasan’ın, Mees-Van de Wiele Galeri’deki “Up and Down” sergisinden görünüm.

Bilgi İçin:

Mees-Van De Wiele Galerie

Kouter 22, 9000 Gent Belgium

Keizersplein 35, 9300 Aalst Belgium

Enquiries@mees-vandewiele.com

+32 (0)485 24 55 16

Inez Froehlich: Lost Places and the Beauty of the Moment

Inez Froehlich primarily produces abstract, large-format and textured paintings in acrylic. The focus in all works is on creating a tension between color and texture, between seeing and feeling, between emergence and decay.

Interview by Ummuhan Kazanc

 

                                                                                Inez Froehlich.

Dear Inez Froehlich, we are delighted to have your works featured in my blog. We would like to get to know you better. I think your relationship with art started at a very young age. Can we learn about the transition process to professional art life? How did the table replace the easel, as you mentioned in your resume?

I grew up in the former GDR. The years after reunification were a time of new beginnings and reorientation for many people. That was also the case for me. After my university studies, I first worked as a graduate engineer in various companies. But I lacked the freedom, the creativity, and the opportunity to implement my own ideas. That was the decisive point to go my own way. And so it happened that art became the center of my life.

                                Inez Froehlich, “Ikaria”, 2022, acrylic on canvas, 120 x 150 cm.

Have you produced works in the field of Abstract Art since you started to be interested in art? How did the process of producing works in the field of Abstract Art develop?

Well, I was interested in many motifs. For a while, it was the landscapes that did it to me. Later it was cityscapes. It took a while until I discovered the abstractions for me.

The focus in all your works is on creating a tension between color and texture, between seeing and feeling, between emergence and decay. What can you tell about your approach to painting? Where do you get your inspiration?

I think, on the one hand, people regret that many things are ephemeral. Beautiful moments in life, ourselves, but also all that surrounds us. Time leaves its traces. On the other hand, the transience makes the value and in it also lies a certain magic. New things arise where old things go. These transitions are what inspire me.

                                Inez Froehlich, “Wild Sea”, 2022, acrylic on canvas, 160 x 80 cm.

Every art observer will have a different taste from your paintings and will catch a different detail. How is the relationship and reaction between your paintings and art audiences?

Very often collectors and art lovers give me the feedback that they see the work in ever new facets. The structures and the color combinations I have chosen leave room for maneuver in the contemplation. And of course, just the strong textures interact with the light. Shades are created depending on the incidence of light, so that each work also allows a visual journey of discovery.

                                Inez Froehlich, “Midsummer”, 2022, acrylic on canvas, 120 x 80 cm.

What can you say about these multi-layers in your works? How do you get the layers in your paintings?

First I work with different structural materials on the canvas. I prefer free forms and wait for the random changes during the drying process. Then I decide whether I stay in one color spectrum and a monochrome painting is created or whether I combine different shades. The finished work is created by applying colors in several steps with different spatulas and squeegees, let dry, partially remove again and add a new layer.

I really loved the blurring, watering down of your paintings. These techniques offer a very effective look. Can we get some more detailed information about these secrets of yours?

Metallic colors are also used in many of my works. So I use, for example, gold pigments. In conjunction with the acrylic paints arise area in the paintings, which appear very vivid due to the reflection of light.

                                Inez Froehlich, “Disturbances”, 2022, acrylic on canvas, 120 x 80 cm.

Finally, what are your plans for future in terms of art? Are you considering a solo exhibition?

I have no exhibitions planned for this year. I am working on some bigger projects for different clients and also want to spend some more time with the family. I love very much to work in the studio, but it is also necessary to relax, meet family and friends, to get new thoughts, new inspirations for further work.

 

                                                                                    Inez Froehlich.

A detail from the works of Inez Froehlich.

Inez Froehlich, “Sunny Afternoon”, 2022, acrylic on canvas, 120 x 120 cm.