HASAN BASRİ İNAN “BİR ÖMÜRLÜK MİSAFİR” SERGİSİYLE İZMİR’DE

Hasan Basri İnan, "Bir Ömürlük Misafir'', 2021, tuval üzerine yağlıboya ve akrilik, Çap: 110 cm.

Ressam Hasan Basri İnan’ın kişisel sergisi Karaca Kültür Merkezi’nde açılıyor. Genç ressamın, “Bir Ömürlük Misafir” adını verdiği kişisel sergisi Karaca Kültür Merkezi’nde 13 Nisan - 30 Nisan tarihleri arasında görülebilir.

Röportaj: Ümmühan Kazanç

 

Hasan Basri İnan, "Bir Ömürlük Misafir'', 2021, tuval üzerine yağlıboya ve akrilik, Çap: 150 cm.

Sevgili Hasan Basri İnan, kişisel sergin ile İzmirli sanatseverlerle buluşuyorsun. Heyecanlı olmalısın. Tebrik ederiz. “Bir Ömürlük Misafir” adını verdiğin serginde izleyiciler nasıl bir sergi izleyecek? Serginin konseptini senden dinleyebilir miyiz?

Her serginin ayrı bir heyecanı olduğu gibi, bu serginin de heyecanı bir başka tabii ki, çünkü İzmir’deki ilk kişisel sergim. Yeni bir konseptle sanatseverlerin karşısına çıkıyorum. Önceki resimlerime aşina olan insanlar ufakta olsa konseptteki değişikliğin farkına varacaklardır. Bunu şundan dolayı söylüyorum. İki sene önce Ankara Soyut Galerisi’ndeki “Derviş” temalı kişisel sergim sanatseverler tarafından büyük ilgi görmüştü. Bu sergide de aynı heyecanı yaşamak istiyorum. Sergide yer alan on altı eser, yaklaşık 1,5 yıl gibi uzun bir sürede tamamlandı. “Bir Ömürlük Misafir” ismini kullanmamdaki asıl sebeplerden birisi de evinizin duvarına asacağınız bir eser, size ve ailenize bir ömür misafir olacak. Belki daha sonraki yıllarda sizdeki eser, bir başka ailenin misafiri olacak. Bu süre belki uzun, belki kısa… Ama o hep misafir olarak ağırlanacak. Türk Kültürünün önemli bir özelliği ise, misafirperver olmasıdır. Gelen misafir en iyi şekilde ağırlanır, el üstünde tutulur… Bunun gibi daha pek çok özellik sayılabilir. Serginin ismi de buradan gelmektedir.

Sergide kimi zaman hüzünlü bir kız çocuğu, kimi zaman masum bir portre, kimi zaman ise elinde tuttuğu kedinin vermiş olduğu bir tebessümle bakan çocuk ile karşı karşıya kalacaksınız. Zaman zaman Anadolu’dan bir çoban portresi, belki fotoğraf çekilmekten rahatsız olmuş, tahta bir atın üzerindeki çocuk portresi… Belki bir film sahnesi aklınıza gelecek… Birkaç adım sonra içinizi büyük değerlerin yanında hissetme mutluluğu saracaktır. Bunlar, Yunus Emre, Âşık Veysel ve Ulu Önder Mustafa Kemal Atatürk portrelerdir.

           

Hasan Basri İnan, "Bir Ömürlük Misafir'', 2022, tuval üzerine yağlıboya ve akrilik, 150x110 cm.

Portre çalışmalarında topluma mal olmuş ancak hakkında görsel verinin bulunmadığı kişiliklere bir anlamda suret inşa ediyorsun. Bu bağlamda portre tekniğin hakkında bilgi alabilir miyiz? Portreler siyah beyaz ama arka plan renkli.

Sergide, eser - izleyici bir bütün haline gelecek. Eser içerisinde yer alan imgeler, bir zamanlar yaşanmış ve yaşantı kesitlerinden anlık görüntü alınarak resmedilmiştir. İmgenin her parçası, kendi içinde bir içeriği taşımayı amaçlamıştır. Yapıtın içerisinde yer alan imge, izleyici ile göz göze gelmesi ve izleyiciyi uzun bir yolculuğa sürüklemesi, bu yolculukta izleyicinin belleğindeki bazı anıları kısa süreliğine hatırlanmasını sağlayacaktır. Bu çekilen bir fotoğraf ya da bir nakkaş duyarlılığında işlenen arka plan…

Bu portreler üzerinde açığa çıkan eskiye olan yakınlık, siyah-beyaz fotoğrafların yağlıboyaya geçişinin ön zeminini hazırlamaktadır. Portre’nin, “Fotoğrafik Görüntü” temsili üzerinden hazırlanan ve onları geleneksel çini ve kilim motifleriyle destekleyen yeni anlam arayışlarını da beraberinde getirmektedir. Fotoğrafik görüntünün içinde yer alan imge, onu yansıtan zaman algısını anlaşılabilecek bir biçimde somutlanmıştır. Resmedilen figürün siyah-beyaz olması, geçmiş zamanlardan bir felsefeyi uzak zamanlardaki köklerinden günümüze taşırken, kimi zaman resimlenen anonim portreler, kimi zaman aşina olduğumuzu sandığımız bir dervişin, kimi zamansa saraylı bir hanımefendinin tasviri olarak betimlenmektedir. Eserlerde arka planın renkli oluşu ise, dönemin insanının ne zorluklar çekerek o kökboyaları ile yaptığı yünden ilmiklenmiş ipleri görmezden gelemezdim. Onu dokuyan ellerin emeği ve gözlerin nuru ilk günkü renkleri ile ruhumuzu bütün güzellikleriyle demlemektedir.

Hasan Basri İnan, "Bir Ömürlük Misafir'', 2022, tuval üzerine yağlıboya ve akrilik, 150x110 cm.

Üzerinde çalışacağın portreleri nasıl seçiyorsun? Belli kriterlerin var mı?

Portreleri seçmek resim yapmaktan daha zor desem inanır mısınız? Beni her zaman ön tasarım/taslak/eskiz aşaması zorlamıştır. Çünkü bununla ilgi çok fazla fotoğraf arşivlerine ve koleksiyon fotoğraflarına bakıyorum. Dikkati mi çeken bir portre gördüğüm zaman ona uzun uzun bakıyorum. O fotoğraf ile bir bağ kurmaya çalışıyorum. Bazen saatlerce o fotoğrafı elime alıp ona bakıyorum. Bu süre içerisinde yapacağım resim ile fotoğraf arasında bir iletişim kuramazsam, fotoğrafı kaldırıyorum. Bu süreç bazen bir haftayı bulabiliyor.

Portreleri seçerken en çok kişinin ifadesi, duruşu, yanında bulundurduğu nesnesi, dönemin kıyafetleri ve döneme ait arka plan, kriterlere uyduğu zaman resmin alt yapı sürecini biraz daha hızlandırmış oluyor. Taşlar yerine oturduğunda işim biraz daha hafiflemiş ve keyifli bir sürecin başlangıcına ilk adımı atmış oluyorum. Şunu da atlamamak lazım, bazen seçtiğim portre bütün kriterleri eksiksiz tamamlasa da, plastik anlamda beni tatmin etmiyorsa o portreye bir takım imgeler ekliyorum. Bu bazen üzerindeki takılar olabiliyor, bazen kıyafetin tasarımını değiştiriyorum. Kendimce yorumlamalarda bulunuyorum. Fotoğraf belirleme kriteri bu şekilde gerçekleşiyor.

 

Hasan Basri İnan, "Bir Ömürlük Misafir'', 2022, tuval üzerine yağlıboya ve akrilik, 150x110 cm.

Foto-gerçekçi bir tarzda çalışıyorsun. Foto-gerçekçi resim senin için ne anlam ifade ediyor?

Foto-gerçekçi resimler oldum olası hem dikkatimi çekmişti. Özellikle oryantalist resimlere büyük hayranlık duyuyorum. O dönemde yaşamayı ve o dönemin etkilerini resimlerimde görmeyi çok isterdim. İlerleyen süreçlerde bununla ilgi çok derin fikirlerin yer alacağı bambaşka bir konsept ile sanatseverlerin karşısına çıkacağım. Şimdilik bu kadar tüyo verebilirim. Özellikle günümüzde foto-gerçekçi resimler yapan genç sanatçı arkadaşlarım var. Onları da hayranlıkla takip ediyorum. Bu süreç gerçekten de sabır gerektiriyor. Çünkü üzerinde çalışmaya başladığımız zaman onu bitirmek için değil de onu plastik anlamda en güzel hale getirmek için çabalarız. Şu da bir gerçek, foto-gerçekçi resimlerin ne kadar çok hayranı varsa o kadar çokta sevmeyeni var. Bu bence zevk meselesi. Kimi insan soyut resim severken, kimi de gerçekçi resimlerden hoşlanır. İzleyici, ona yakın olan, onunla bağ kuran eseri izler.

Foto-gerçekçi resimlere ilk, “acaba yapabilir miyim?” diyerek başladım. Çok fazla sanatçı paleti inceledim. Kullandıkları renkleri, fırçaların numaralarını, kıl boyutu, tuval bezinin dokusu gibi önemli detayları inceledim. Deneyip gördükten sonra kendimi bu şekilde geliştirdim. İlk etapta zor gibi gelse de o işi sevdikten sonra zorluk ortadan kalkıyor ve üretim süreci bu şekilde ilerliyor.

Aslında lisans ve yüksek lisans eğitimini seramik üzerine yaptın. Resme geçiş nasıl oldu, yoksa derinlerde bir yerde hep resim aşkı mı vardı?

Geçenlerde ilkokul birinci sınıf defterimi karıştırırken şuna denk geldim; Resim yap, Resim yap ve yine Resim yap… Bunu sayfalarca yazdığımı fark ettim. Demek ki bilinçaltımda bu şekilde yer edindi. İlkokul dönemimde babamın bana yaptığı resimler hep güzel gelirdi. Ondan kaynaklı bende resim yapmaya başladım. İlkokul ve ortaokulda yaptığım resimler öğretmenlerim tarafından hep sınıf panosuna ya da okulun panosuna asılırdı. Böyle olunca ben daha çok resim yapmaya başladım ve resim yaptıkça da mutlu oluyordum. Ortaokuldayken sınıf öğretmenimiz bizlere, “ileride hangi mesleği yapmak istiyorsunuz” konulu bir kompozisyon yazmamızı istemişti. Ben oraya iki şey yazmıştım. İlki futbolcu olmak, ikincisi ressam olmaktı… Dokuz yıl amatör olarak bazı kulüplerde futbol oynadım. Daha sonra futbolu bırakıp resme yöneldim. Mersin Üniversitesi Güzel Sanatlar Fakültesi Seramik Bölümü’nü kazandım. Bu sırada yolum Ahmet Yeşil ile kesişti. Bu benim dönüm noktam oldu diyebilirim. Ahmet Yeşil’in benim üzerimde tarif edilemeyecek kadar emeği vardır. Desteğini benden hiç esirgememiştir… Ne kadar resim bölümüne geçmeyi istesemde sürekli önüme engeller çıkıyordu. Buda beni daha çok hırslandırmıştı. Üniversitede seramik eğitimi alırken diğer yandan evimin odasında resim yarışmalarına hazırlanıyordum. Katıldığım ilk resim yarışmasında Ahmet hocamın bana verdiği tuvale resim yapmıştım ve o resimle de ödül almıştım. Bunun bendeki yeri çok özeldir. Hala o resmi saklarım. Ne kadar satın almak isteyen kişiler olduysa, kimseye veremedim. Bazı şeylerin manevi değeri, maddi değerden daha ağırdır. Bir sonraki yıl yine bir resim yarışmasına katılmıştım. Yine tuvalimi Ahmet hocam vermişti. Ve yine ondan da ödül almıştım. O resimde hala bende duruyor. Keşke her insanın hayatına böyle derinden dokunan ve o kişiyi özel hissettiren birisi olsa diyorum. Ahmet Yeşil ile beraber yurtiçi-yurtdışı sergilere, sempozyumlara gidiyoruz. Bizleri oradaki sanat ortamıyla tanıştırıyor. Şunu çok rahat bir şekilde söyleyebilirim ki, bana göre Ahmet Yeşil kendi döneminin en büyük sanatçısıdır! Ben de böyle bir ustanın yanında yer aldığımdan dolayı çok onur duyuyorum.

 

Hasan Basri İnan, "Aşık Veysel'', 2021, tuval üzerine yağlıboya ve akrilik, 150x110 cm.

Son olarak gelecek ile ilgili planlarını öğrenebilir miyiz? Seramik ve resim sanatını bir araya getiren çalışmalar görür müyüz sonraki sergilerinde?

Gelecekle ilgili hayal etmesi bile çok güzel, keyif veren planlarım var. Şu kadarını söyleyebilirim ki bu hayallerin gerçekleşmesi için çok çalışıyorum ve bu disiplini sürekli hale getirmek için çaba sarf ediyorum. Benden beklentisi olan çok fazla tanıdığım insan var. Hem onların beklentilerini hem de kendi hayallerimi gerçekleştirmek sadece benim çabalarımla olacak bir şey. En büyük hayalim sanat tarihine mâl olabilmek.

Seramiğin bendeki yeri çok özel, ona anlam yüklemek, onunla çalışmak çok keyif veriyor. Ara vermemdeki başlıca nedenlerden biriside, bir seramik/porselen fırınımın olmaması. Kendi çabalarımla bir fırın inşa ettiysem de orijinali gibi verim alamadım. Yaptığım fırının birazda tehlikeli olması bu süreci yavaşlattı. Fakat en kısa sürede bir yanda seramik, diğer yanda resim yaparak sanatseverlerin karşısına çıkacağım. Seramik form ve yüzeylerine resimsel anlatımlar ve imgeleri aktardığım yeni anlam arayışları da beraberinde gelecektir.

Hasan Basri İnan.

Hasan Basri İnan kimdir?

1992 yılında Malatya’da doğdu. İlk, orta ve lise eğitimini Mersin’de tamamladı. 2011 yılında Mersin Üniversitesi Güzel Sanatlar Fakültesi'ne dereceyle giren sanatçı, 2015 yılında Seramik Bölüm birincisi ve Güzel Sanatlar Fakülte ikincisi olarak mezun oldu. 2015 yılında Hacettepe Üniversitesi Güzel Sanatlar Enstitüsü, Seramik Bölümü, Yüksek Lisans Programını birincilik ile kazandı. 2011 yılından beri, Ressam Ahmet YEŞİL’in rehberliğinde çalışmalarını sürdürmeye devam etmekte ve bu eğitim süreci, Ahmet Yeşil’in yol göstericiliği ile ilerlemektedir. Şu ana kadar 7 kişisel, 60’dan fazla karma sergi, 10’dan fazla ulusal ve uluslararası jürili sergiler, Workshoplar, Sempozyumlar ve Çeşitli Etkinliklerde yer alan İnan’ın, 5 Ulusal, 5 Uluslararası ödülü bulunmaktadır. Almanya, Fransa, İngiltere, Portekiz ve İspanya’da da karma sergilere katılan sanatçı 2016 yılından bu yana çalışmalarını Mersin’deki atölyesinde sürdürmekte.

ARZU ARSLAN’IN “SONSUZ GÜNEŞ – SENTEZ” İSİMLİ SERGİSİ ANKARA’DA

Arzu Arslan’ın “Sonsuz Güneş – Sentez” isimli seramik sergisi Ankara’da Türk Amerikan Derneğinde 25 Nisan 2022 tarihine kadar izlenebilir. 2010 yılından bu yana seramik sanatıyla profesyonel olarak ilgilenen Arzu Arslan sergisiyle ilgili kaleme aldığı manifestosunda şu cümlelere yer veriyor: “ Bir çok uygarlığa ev sahipliği yapmış medeniyetler beşiği Anadolu, binlerce yıllık tarihiyle günümüz sanatına ve sanatçısına ilham vermeye devam ediyor. Anadolu’da binlerce yıldır devam eden çömlekçilik, evriliyor, klasik sanatlar modern sanatlara göz kırpıyor. Sentez, bu konseptin açığa çıkışı, evrilişi, aynı zamanda devrimleşmesi anlayışını da doğuruyor. Sentez, Klasik İznik seramiklerinin 21.yy dünya seramiklerine adaptasyon çabasıdır. Köklerimizden gelen birikimlerin, Anadolu kültür ve ritüelleriyle kaynaşması ve dünyaya entegre olma yolculuğunun ilk safhasıdır.

Arzu Arslan, Fes.

Bedenimi, gözlerimi, ruhumu ve güzel Türkçe'mizi veren kültürümün ve ülkemin bir parçasıyım. Biz biriz.

Hep yukarı bakarız. İnsanlar yukarıya bakmak için doğmuşlardır. Sonsuz güneşin sonsuz koşusunu yaptığı yere. Yıldızımız bizden çok önce vardı ve hepimiz gittiğimizde de parlayacak.

Esnek kili ellerimde tutuyorum ve ondan ne yapacağımı düşünüyorum. Zarif bir vazo mu? Yoksa basit bir tabak mı? Önemli değil. Eserlerime ruhumun sıcaklığını ve ellerimin ustalığını koymak istiyorum. Yarattığım her nesneye göğsümde yanan küçük güneşimden bir parça koymak istiyorum. Üstümüzde parlayan yıldız gibi sonsuz bir güneş değilim. Ama çalışmalarım aracılığıyla ışık ve sıcaklık vermek istiyorum. Elimden geldiğince.”

Arzu Arslan, Rumi Trio.

Eternal sun – Synthesis Manifest by Arzu Arslan

Anatolia, the cradle of civilizations that has hosted many civilizations, continues to inspire today's art and artists with its thousands of years of history. Pottery, which has been going on for thousands of years in Anatolia, is evolving, classical arts winking at modern arts. The emergence of this concept in the synthesis gives rise to the understanding of evolution as well as the revolution. Synthesis is an effort to adapt Classical Iznik ceramics to the world ceramics of the 21st century. It is the first stage of the journey of merging the accumulations from our roots with Anatolian culture and rituals and integrating with the world.

I feel like part of my culture and part of my country, which gave me a language, my body, my eyes and my soul. We are one. We always look up. People were born to look up. Where’s eternal sun makes its endless run. Our star was long before us and will shine when all of us are gone.

I clutch the pliable clay in my hands and think about what I will make of it. Elegant vase? Or a simple dish? It does not matter. I want to put the warmth of my soul and the mastery of my hands to my works of art. I want to put a piece of my little sun burning in my chest into every object that I create. I am not such an endless sun as the star that shines above us. But I want to give light and warmth through my works. For as long as I can. (Arzu Arslan).

 

Arzu Arslan, Day And Night.

ARZU ARSLAN KİMDİR?

Born in 14th of January 1975 in Ankara, Turkey. After graduated from Yukselis College in 1993, she studied Business Administration in Anatolia University – Eskisehir. She graduated in 1998 and started her finance career at Akbank this year. For 10 years she worked in various departments. She quited her finance career in 2008. Since 2010 she has been attending to State’s various art courses such as ceramics and Traditional Turkish Ceramic Art: Çini, also she has got private lessons from çini artists. She is participating in art auctions in Turkey in wellknown art galleries.

PROJECTS & EXHIBITIONS

2022    Solo exhibition – Eternal Sun – Synthesis / Sonsuz Güneş  - Sentez Turkish American Association, Ankara, Turkey 5th-25th April 2022

2021    Attended to Group Exhibition in Istanbul, Turkey, Apollon D'art Gallery on 18th December 2021

2021    Attended to Love In Art virtual exhibition, by Pepney Gallery - Ireland, 11th December 2021

2021    Attended to National Day of Turkey online exhibition, Gallery Punto, Turkey, 29th October 2021

2021    Interview with Mecmua Istanbul, 22nd October 2021

2021    Attended to Lost & Found online exhibition, by Vacant Museum, 20 August 2021

2021    Attended to Women's Day Online Exhibition, 8th March 2021, Antalya Municipality, Turkey

2021    Honorable Mention – 2nd “Solo Exhibition  & Group Exhibition" Online Art Competition, 27th January 2021, Albe Art Gallery, United Arab Emirates

2021    Attended to online exhibition Nef-es (breath) 5th January – 17th February 2021, Akeramos Art Gallery, Bursa, Turkey

2020    Attended to online exhibition Open Minded 15th November 2020, represented by Albe Art Gallery (United Arab Emirates)

2020    Finalist in The Brick Lane Gallery London opencall for artists, selected from 40,7K artists all around the world (5th october 2020)

2020    Attended to the PortArt &TEV (Turkish Education Foundation) project, for the health workers who were lost from Covid-19) chtildren's education.the project consist of an enormous auction and an exhibition on 29 October 2020

2020    Attended ArtAnkara 6th Contemporary Art Fair, sponsored by Ankara Life Magazine (12-15 March 2020)-Ankara

2020    Attended ArtAnkara 6th Contemporary Art Fair, represented by Boho Art Gallery (12-15 March 2020) -Ankara

2020    Attended her first group exhibition in Boho Art Gallery- Ankara (29th February-6th March 2020)

In 2019 she had a project with the Singaporean Embassy-Ankara. She was commissioned with commerative Iznik style plates which were presented to Turkish and Singaporean Ministers, mayors and diplomats

 

 

 

 

 

 

AHMET YEŞİL KİŞİSEL SERGİSİYLE İZMİR’DE

Ahmet Yeşil, “Döngü”, 2022, tuval üzerine yağlıboya, 100x80 cm.
 

İlk resim sergisini açtığı 1979 yılından bu yana aktif olarak sanat yaşamının içinde yer alan ve yurt dışında açtığı sergilerle ülkemizi birçok defa temsil eden Ahmet Yeşil, şimdi de “Sesler ve İzler” temalı sergisiyle 16 Mart – 9 Nisan 2022 tarihleri arasında Karaca Kültür Merkezi’nde izleyicilerle buluşuyor. 42 yıldır sanatı hayatı, hayatı sanatı, atölyesi mabedi olan sanatçı, bugüne kadar 132 kişisel sergi açmış, 321 karma ve yarışma sergisine katılmıştır. Ulusal ve uluslararası yarışmalarda 25. ödül almıştır.

Ahmet Yeşil, “Sesler ve İzler 5”, 2018, tuval üzerine yağlıboya, 120x100 cm.

Tam anlamıyla ‘nev-i şahsına münhasır’ olarak tanımlanabilecek bir fırçaya sahip Ahmet Yeşil, Dünyadaki ve Türkiye’deki moda akımları çok yakından takip etse de o kendi gerçeğinden vazgeçmemiş, yıllar içinde fırça darbeleri ile tuvaline aktardığı özlemleri, tutkuları, heyecanları, duyguları, düşüncüleri, acıları, mutlulukları onu nereye götürdüyse, sanatı da o bağlamda gelişmiş, bugünkü gücüne ulaşmıştır. Özellikle ve ısrarla belirtilmesi gereken nokta ise, dünyadaki hiçbir sanatçıyla karşılaştırılamayacak ve Ahmet Yeşil tarzı olarak anılan görsel bir dil yaratmış olmasıdır.

Ahmet Yeşil, “Kırılgan İmge”, 2020, tuval üzerine yağlıboya, 160x120 cm.

Ulusal ve uluslararası müze, kurum ve özel koleksiyonlarda onlarca eseri bulunan Ahmet Yeşil, “Sesler ve İzler” serisiyle ilgili kaleme aldığı yazısında şunları aktarıyor: “Ses, tüm duyu ve birikimleriyle sanatçıya da hiç beklemediği sorular sorar. Bir uçurum kenarında duruşun bilince etkisidir. Bilincin yaratığı ses dalgalarının geride bıraktığı dilin izleri de gerçekte onunla beraber izleyiciyi de sürükler bu serüvenin içine. Bu izler yaratının ses dalgalarının zaman zaman duyamadığımız, sormaya başladığımız anda duyduğumuz gerçekte eserin bize seslenişi, kurduğumuz iletişimle bizi etkileyen imgelerdir. İzler dediğimiz gerçek, bu imge duyumsaması izleyicinin kendi hakikati üzerinden duyumsadığı imlerdir…”

 

 

BİLGİ İÇİN

KARACA KÜLTÜR MERKEZİ

Şevket Özçelik Sok. No:55 Alsancak – İzmir

Tel: 0530 151 11 03

https://karacakulturmerkezi.com

 

Claus Peter Stoffels und seine Leidenschaft für Steampunk

Claus Peter Stoffels.

Wir haben mit Claus Peter Stoffels, einem der seltenen Künstler des Steampunk-Genres, über die Philosophie des Steampunks und der Konstruktion seiner interessanten Werke gesprochen.

Interview Ummuhan Kazanc

Claus Peter Stoffels, Tragen sie immer diese Outfits?

Ich trage meine selbst entworfenen Outfits, die alle in Gedenken an den Schriftsteller Jules Verne entstanden sind, nur bei Anlässen, die auch dazu passen, wie z.B. bei Fotoshootings, Steampunk Veranstaltungen und wenn ich mit meinem selbst gebauten Elektrofahrrad unterwegs bin.

Im Alltag und bei der Arbeit trage ich keine Outfits, aber ich benutze täglich selbst gebaute Gegenstände, wie Handyhüllen, Zigarettenetuis, Feuerzeuge, Armbanduhren, Elektrozigaretten, Ringe und Kugelschreiber.

                                                                    The Gaslight Lamp.

Wie reagieren die Menschen darauf?

Sie sind erstaunt und meinen, dass sie so etwas noch nie gesehen haben. Sie fragen mich, warum ich diese Kleidung trage oder ob ich von einem Filmset komme.

Außerdem möchten sie wissen, was Steampunk ist, und wenn ich ihnen dann von Jules Verne und Kapitän Nemo mit seinem Nautilus erzähle, dann leuchten ihre Augen und erkennen es sofort wieder und freuen sich so etwas einmal in echt zu sehen.

                                                                  Die Sonnengöttin.

Sie sind einer der seltenen Künstler des Steampunk Genres. Sie verwandeln hochwertigen Schrott in einzigartige Kunstwerke. Was ist Steampunk?

Es umschreibt die Zeit der Dampfmaschine, der Industriellen Revolution. Eine Zeit der Expeditionen und Entdecker, der Tüftler und Erfinder wie Tesla, Westinghouse, Bell und Edison - um nur einige zu nennen.

Diese Zeit Ära nennt man auch die Viktorianische Zeit von 1860 - 1910.

So viele Dinge wurden in dieser Zeit erfunden; Dinge, auf denen viele unserer heutigen Technologien basieren. Möbel, Einrichtungsgegenstände, Apparaturen. All diese Dinge waren zu dieser Zeit sehr teuer und wurden von den Herstellern zum Teil mit Ornamenten verziert.

Und vieles war handgemacht - hatten eine Seele. Ich habe Dinge aus dieser Zeit, die bis heute funktionieren und wenn ich dann auf das Baujahr schaue, dann weiß ich was dieser Gegenstand alles zu erzählen hätte, wenn er reden könnte.

Es ist aber auch die Zeit der Schriftsteller, die inspiriert durch diese Zeit Ära, Romane und fantastische Geschichten geschrieben haben. Zu nennen ist da der Autor Jules Verne. Wir kennen alle die Geschichten mit Kapitän Nemo und seinem Nautilus, aber auch der Schriftsteller H.G Wells der die Zeitmaschine schrieb.

Bis in die heutige Zeit fasziniert es die Menschen, diese doch nicht selten sehr martialischen Erfindungen, anzuschauen und nicht selten werden diese zum Teil komischen Apparaturen in Film und Fernsehen verwendet. Den meisten Betrachtern ist es nur nicht bewusst, dass es Steampunk ist.

Beispiele dafür sind Filme wie: Wild, Wild West, Edward mit den Scherenhänden, Hugo Cabret, Die Zeitmaschine, Der Sternwanderer, Der goldene Kompass, Hellboy, Van Hellsing, Die Liga der Außergewöhnlichen Gentlemen, The Rocketeer, etc., die bekannt sein dürften und natürlich nicht zu vergessen, die Verfilmungen von Jules Verne‘s Geschichten: Die Reise zum Mittelpunkt der Erde, 20000 Meilen unter dem Meer, In 80 Tagen um die Welt usw.

Bei jedem Menschen, der auf diese Zeit Ära blickt, im Verbund mit diesen Romanen, entsteht ein besonderes Bild im Kopf; ganz speziell sein Bild.

Dieses Bild ist einmal stärker oder schwächer, zu einem oder allen Schlagwörtern, die dieses Genre umschreibt.

Bei mir war es zu allen Schlagwörtern unbeschreiblich stark und somit war es keine Frage, ob ich diesem Kunstgenre folge. Mir war von Anfang an klar, als ich wusste was Steampunk ist, dass ich mein ganzes Leben schon einer war, ohne zu wissen, wie man es nennt. Denn schon als kleiner Junge baute ich Dinge, die immer irgendwie in diese Richtung tendierten.

Dieses Bild in meinem Kopf, über diese Zeit Ära, wird sehr stark durch Jules Verne beeinflusst und somit baue ich Objekte, die immer irgendwie auch in seine Romane passen könnten - die zeitlos sind, denn Jules Verne ist zeitlos.

 

                                                       The flying HOTROD Mark I.

Sie verwenden diese 3 Schlagwörter, um dieses Retrokunst- Genre zu beschreiben: Abenteuer, Romantik und Wissenschaft. Welche Bedeutung haben diese Worte für Sie?

Abenteuer: Da denke ich an die Entdecker und Expeditionen aus dieser Zeit - wie gerne wäre ich dabei gewesen fremde Länder und Völker zu entdecken.

Romantik: Da fallen mir sofort die großartigen Kleider aus dieser Zeit ein und die schönen Häuser, verzierten Möbel und Einrichtungsgegenstände. Diese entschleunigte Zeit, ohne Handys, Fernsehen, Internet, und schnellen Autos. Für alles wurde sich Zeit genommen und das Reisen war noch ein genussvolles langsames Erlebnis.

Wissenschaft: Es wurde so viel erfunden, geforscht und experimentiert in dieser Zeit. Viele dieser Erfindungen von damals sind Dinge, auf denen viele unserer heutigen Technologien basieren. Eine Wahrhaft spannende Zeit.

                                                                        Die Sonnengöttin.

Lassen Sie uns über ihre Kunstwerke reden. Wie entstehen Ihre Kunstwerke? Müssen Sie viel recherchieren? Wie lange dauert die Erstellung eines Kunstwerkes? Woher kommt ihre Inspiration?

Ich gehe sehr viel auf Flohmärkte und suche oft bei Ebay nach alten Geräten, Gehäusen und Apparaturen, wenn möglich aus dieser Zeit.

Wenn ich ein Objekt entdecke, dann entsteht meistens sofort ein Bild in meinem Kopf, welche Geschichte dieses Objekt erzählt und was für ein Objekt daraus entstehen könnte.

Dabei freue ich mich zum einen darüber, dieses Objekt entdeckt zu haben, um es retten zu können und es wieder in die Gegenwart zu bringen und zum anderen etwas einzigartiges zu erschaffen, welches in 100 Jahren immer noch gerne angesehen und bestaunt wird.

Wenn ich es dann zu Hause habe, recherchiere ich meistens zu seiner Geschichte. Ich möchte mehr darüber erfahren, zu was es verwendet wurde und warum.

Nachdem ich dies alles zusammengetragen habe, starte ich in meiner Werkstatt und fange an das Objekt mit meinen Augen und Händen kennenzulernen.

Ich muss Wissen, in welchem Zustand sich die Materialien befinden. Risse oder Zersetzung müssen berücksichtigt werden. Alles in allem kann dieser Prozess schon mehrere Tage dauern.

Den zeitlichen Aufwand, den ich dann bis zur Fertigstellung des Objektes betreibe, kann bis zu 700 Stunden und mehr betragen. Wobei die Zeit für mich keine Rolle spielt; der Weg ist das Ziel.

 

 FOR MORE INFO

www.wohnenetwasanders.de

 

 

 

 

Has it ever occurred to you that you can rest your soul by rocking?

Swing.

Article and Interview Ummuhan Kazanc

 Isn't it one of the most beautiful memories of our childhood when we swing on a swing? You must remember the breeze of the wind touching our faces and hair as we rise towards the sky, and the butterflies of happiness flying in our stomachs as we lift our feet off the ground.

 There is a brand new swing model that will bring out your inner child, make your children happy as well as you, and feel your soul calming while swinging. It is impossible not to admire these swing designs. The swing named "Swing" designed by Iwona Kosicka really creates a reform in swing form. While its round form and simple, minimalist but strong lines adapt to any space it is used, it will also be an important element of your decoration. Swings that you can install in your living space, bedroom, garden, balcony or patio will add a high-quality design, style, aesthetics and elegance to the space. It is an ideal choice not only at home but also in your office to relieve stress and relax during breaks.

With the swings that do not take up much space as they are hung on the ceiling, you can create your own resting corner either outside or in open spaces. Addressing different tastes and architectural styles with its color options such as gold, silver, copper, oak, and natural wood, the swing is a contemporary sculpture-accessory option for those who like to be different and live the extraordinary.

Iwona Kosicka.

Swing designer Iwona Kosicka answered our questions about this special design.

Dear Mrs. Iwona Kosicka, how did you decide to design a swing? How was your impressing Swing design born?

Swings have been created to give interiors a breath of life and to break out of the concept of ordinary rocking chairs. In my project work I searched for a form that will serve my clients for many years. I bet on timeless minimalism. A seat hanging from a ceiling looks intriguing and ensures no one walks by without a glance. Swings are especially suited for lovers of geometrical lines and those who value frugal forms and good quality.

 

How many color and model options are there?

It can be said that there is no limit on hues and finishes. Basic colors are natural oak, lightly bleached, white and black. We paint with bespoke colors from RAL and NCS palettes. We also offer an exclusive version that is covered with schlagmetal in gold, silver and copper. Schlagmetal is a thin piece of metal that is applied by hand. It’s a traditional gilding technique, so those products are very exclusive.

Swing can easily fit different kind of environments. What do you think?

Certainly! Swings have a perfect circle shape, and that makes them suit all kinds of styles and interiors. It brings me great joy to watch new applications with their use. They beautifully complete projects without dominating the space. The lightness of form is in a harmonious balance with the existing environment. In the Helsinki City Museum anyone can see how many positive emotions “Swing” can inspire, whole flocks of people have been swaying from swings hanging from the ceiling. My swings can also be found, among other places, inside the lobby of the Parisian hotel Marriott, Boutique Hotel Babylonstoren in RPA, numerous buildings, showrooms and restaurants around the whole world, Tokyo University, Alegro shopping center in Portugal.

Swing.

Swing is really perfect in terms of design. But also its production is also flawless, excellent. What is the production secret behind the swing?

During manufacturing, we use the best materials, and ideal circle form requires great precision that is only reachable for masters of woodcraft. I am honored to work with such craftsmen. I view balanced development as manufacturing and buying things that are both durable and useful, and suited for individual needs. I’m concerned about the fate of the natural environment that surrounds us, and therefore all swings are made to order. To create our furniture, we utilize almost every piece of obtained material. This way of thinking is rooted in my childhood, when my dad had been in charge of a carpenter shop. He always stressed that success is dependent on two basic ideas: uncompromising engagement in best craftsmanship and unique designs. This is the mental inheritance that shaped my artistic DNA.

Can you introduce yourself for when etwas Andres’s blog readers?

I’m a designer that has graduated from the Art Academy in Wrocław. The base of my work is the value of traditional craftsmanship and respect for good materials and their origin. I create items with simple lines and functional design. In my design and carpenter workshop oaken tables, furniture and intriguing lamps, like “Birds” shaped like sitting birds, are being made. We offer a variety of scandinavian-styled additions, functional and always crafted from natural materials. Personally I love nature, good books and a healthy kitchen. I photograph, paint and in my spare time ride a bicycle and walk mountains. I constantly try to adhere to the philosophy of gratitude and balance. I’m striving to hold on to happiness.

Swaing, Photography Pauline van der Gulik.

FOR MORE INFO

www.wohnenetwasanders.de

Love, Passion, Energy and Colors: Art of Dodo Newman

Dodo Newman.

Interview by Ummuhan Kazanc

Dear Dodo Newman, I want to start our interview with your striking Words about Passion and Love: “Passion cannot be learned, cannot be faked or copied. It is something that burns like fire, and if not kept alive, it soon can burn out. The source of my Passion has always been Love, Love from people being inspired by what I create and what I can give back.” Can we say that these sentences are the main idea or philosophy of ​​the art of Dodo Newman?

That is exactly what I would say! The main energy that fuels all that I create is Love for what I do, why I do it and what I get back. This is the cycle of energy that creates worlds.

This energy has to be taken care of and nurtured every day, which doesn’t always happen. I have also had many phases on my journey when this flame faded or I thought was completely gone.

It took me a while to realize that it is never gone actually, it is there but we need to reach out to and bring it to the surface, and then use it wisely. We only see this light when we are in the dark and we learn how to do it only when the light has faded.

Love is joy and freedom, which are my main energies I need to create in every part of my life.

Dodo Newman, Dance of Joy, Acryl, Öl auf Leinwand, 120x160 cm.

You have grown up in a diplomatic family and you have traveled all around the world. You have been to many countries: India, Iran, Italy, England, USA, France, and Monaco. You were born in Hungary and live in Germany. It is like a colorful photograph from a mystical world. Can we say that colors of your paintings have roots from all around the world?

Definitely. I love to imagine myself as the One who brings back colors to those who left them behind or forgot about them. It is so easy to blend into our everyday life and forget that we all have colorful imaginations, unique visions, traits, characteristics and life experiences that no one has ever had or ever will have.

As much as diverse we are all over the world, so much so we are connected and one. We are different in are uniqueness and yet we are interconnected, interlaced.

What affects one, effects everyone else and everything: people, animals, plants, nature, our planet and the unseen. Since we are all connected, we have to take care of all this.

My intention is to bring back this sense of Oneness that makes life so special.

It is a paradox, because we are different and yet One, not separate, united by a Life energy that connects us. It is this mystery and wonder that I bring back through my art, my writings, my talks, speeches, and videos, in whatever form of expression I choose.

Dodo Newman, Life energy II, Acryl, Pigmente, Öl auf Leinwand, 80x100 cm.

At what stage of your life did you decide to be interested in art? When was the breaking point?

As a child, I was always in my imagination and very creative. I was always creating something, whether it was drawing, knitting, and sewing, putting things together. As I grew up, I went to several art courses, summer schools and learned the basics from artists themselves.

Even though the form of art always changed - I first wanted to be an animator, then I started to learn to become a fashion designer - it was always something to do with creativity. There was never a doubt in me that I will follow something creative.

I had some phases in my life when I faced challenges and did not make art, burying it deep inside, and I seemed to have lost this direction in life, and yet art surfaced and found me every time.

I think the breaking point when I decided to really focus fully on making art was when I came out to Berlin, Germany in the end of 2008. I had this determination in me that no one could take away and, notwithstanding challenges and obstacles - I moved to Berlin to make and give art.

But then again, I had other breaking points on this path, like the one when I really hit rock bottom some years ago. Following a personal life situation of break that resulted in everything fall apart around me, I almost gave up art and found back to it step-by-step. As someone living from my creative energies, it is linked to my life closely and so I had to come back to it in a way as I built back my life from scratch, brick by brick.

This is why I wrote the Book “Creating Again” during the pandemic, which is planned to come out this year, to give back to other artists and creatives who have or are going through similar challenges and obstacles - especially during these tough times - from my life experiences and learnings.

I also created recently an online course on it, which gives practical guidance as well to those who might feel lost in our world, believing they have lost their creative energies as well.

Art is not only something that I do because I love it, but somehow I believe it is part of my life purpose to contribute to transformation through my art and its message, there is a deep energy that pushes and guides me to follow this path.

I always say that I don’t do art, but art is me and through it I can give and be part of a bigger creation.

Dodo Newman, Swimming in calm and joy, Acryl, Pigmente, Öl auf Leinwand, 80x60 cm.

Bold colors and forms, use of space and light are very striking in your works of art. They are full of energy. What is your secret? Can we easily define your style as Abstract Expressionism?

I believe that is the style that it can be categorized into, at least that is what my master-teacher told me when I first learned techniques with him. I also felt more inspired by the Abstract Expressionists. But my art is also lyrical and full of movement, expressing energies.

The space and energy has an interesting story and meaning in my path and art I create.

I never had the chance to learn art academically, but at one point I was approached by a well-known artist at that time in Hungary. He said he wanted to teach me all the possible techniques that can help me express myself through art.

When I first took my paintings to him for consideration, he said he could see that I lacked the skills that you can learn through discipline in a school.

But he said I brought out the sense of space and spaciousness in my artworks that no one can learn, because it is something we are born with, it is within. He found that this inherent and naturally expressing space was my main characteristic of my art.

This has been my main moving element ever since. I was always fascinated by energies, the movement of things that we cannot see with our eyes, the unseen universe. For example, our emotions inside are all energies that move in our inner space. The ideas and thoughts we have is energy form, Life itself is energy Source, from which all humans, and everything on our planet lives through.

I express this energy through the dance of light and colors, forms and textures that are in contrast and that sometimes fall apart to then come together in a sort of dance.

Dodo Newman, Layers unfolding, Acryl, Öl auf Leinwand, 100x80 cm.

You have ties with Monaco and Royal Family. Could you tell us about this exciting project?

I wouldn’t say ties, but I had connection to Monaco through one of my symbolical artwork that I created for Princess Charlene of Monaco. Since my life is interlaced with the art I create, this project was also a reflection of my life then when I created it.

I was pregnant with my daughter, when I envisioned this project as a symbol of love and union for the Princess of Monaco. As I was often visiting Monaco for private reasons at that time, the piece of artwork was linked to Monaco as well.

The whole artwork is a piece full of symbols. It is created with resin and pigments on Plexiglas, cut in the middle by a wave that divides the two piece. The two parts are connected and yet divided, meaning our lives and people we meet are connected too and yet we are unique.

The main colors are various shades of purple, the favorite color of the Princess, and oyster colors, which are fable-like and mysteriously changing. I love this play of colors as they change during the different times of the day and seasons.

There is a big piece of coal on each part of the artwork, surrounded by many small diamonds. This symbolizes the cycle of life and death that is part of our human lives.

One side of the artwork was donated to the Princess and the other was bought privately.

For me, this artwork is more than its obviously luxurious materials and links to Monaco. As I was pregnant then and while I was creating, I was looking forward to bring forth a new life into the world.

My daughter is another gift from life, through her I have discovered more of my true Self, and have deepened my meaning for life. In that period I experienced immense joy and also pain, sorrow. Both of these parts of emotions are present in our lives. We cry and laugh, and then we laugh again.

Expecting her gave me new beginnings and a knowing that life is a wonderful adventure if you look at it and live it that way. So, that piece of project is linked to life, love and my daughter.

100th Anniversary of the Titanic Cultural Commemorative Project was inspired by you. Could you share your experiences?

Whenever I have a project, a vision in mind they all have meanings behind them. Just as the piece for the Princess of Monaco, this project dedicated to the legendary ship of Titanic also had a deeper meaning.

There were 43 nations on board the Titanic ship, all seeking out a dream and envisioning a new start in America, a new land. They were filled with hope, people from an incredible variety of backgrounds, gender, cultures, life experiences, guided by faith and hope, all in one boat.

We are all in one boat, just as those people then and there. We are all One, no matter where we come from. We are joined by hope, life, death and the dreams of creating our lives.

What I enjoyed most is that I collaborated with 13 embassies in Germany, with nations who were also onboard the Titanic. They collaborated on the Publication we created for this project and I also had my works displayed at some embassies. My art can be found also in some of these embassies.

It was very interesting to see how these embassies contributed with cultural knowledge to the project even though they were different. We all worked in harmony because of the story, the meaning it had. I love stories that uplift, because they teach and inspire us.

This project is dedicated to my grandmother, who was my hero. She was a Holocaust survivor and yet she was an amazingly uplifting and wise person. She was strong and full of energy all through her life.

As you see, my art reflects my life as well because as I said before, art is me.

What are your next, future project plans?

Since space is something I have been contemplating since I am a child, I am planning to create around this theme, the inner and outer space or universe. Whatever we see around us is within us as well. The journey outside starts with the journey within. The more we discover of our external universe, the more we realize that all that is inside of us as well. Somehow, the outer and the inner universe is connected, again a mystery that opens up new visions.

I am also very interested in combining the traditional techniques with the new, digital ones. Respecting the past and combining it with innovative elements is exciting and can speak and reach to more people.

You have works of art in very important collections like Saudi Royal family, Monaco Royal Family. What do you feel when you sold your works? What can you tell art lovers who are planning to buy your works?

For me, it does not matter who buys my art, who decides to live with them and who collects them, whether it is royalty or not. What really matters is what my art makes you feel.

If you feel different, reminding you, taking you somewhere else, moving and making you contemplate on deeper things, then I have given you something through my art.

Buying is an important element, because it keeps the energy alive and contributes to making more art. I live through this cycle of energy.

Bringing someone joy as they see my art and imagine and put it in their environments, living with it is a special bond between artist and buyer/collector.

I have collectors all over the world and I love to think that pieces of my story, imagination and vision are spread over in different homes, places in different parts of the world.

Art is more than decoration, it brings a piece of inner world to life. When someone decides to buy my artwork, decides to have a piece of this inner energy as well, and makes it their own.

Just as every artwork I create has a story around it, every artwork that someone buys has a special story, meaning linked to it. This link is special and it is its real value.

FOR MORE INFO

www.wohnenetwasanders.de